北京保利2007仲夏拍卖油画欣赏
[size=4] 北京保利 中国油画部分，集结艺术精品近200件，在注重市场走势兼顾学术水准的理念支持下，此次仲夏拍卖在组织拍品期间深入挖掘市场，广开征集渠道，使拍品结构更加立体、丰富化。其中包含：[/size][size=4]当代艺术先锋[color=blue]何森[/color]的《躺在沙发上的女人》，[/size]
[size=4][color=blue]尹朝[/color]阳的《西山暮色》，[/size]
[size=4][color=blue]章剑[/color]的《天安门系列》，[/size]
[size=4]沈娜的《恶梦》等；[/size]
[size=4]“70后”颇具成长潜质的学院新叙事风格的艺术家作品，如罗清的《铁路》、《苏州河》，张新文《邻居——老朱一家人》、《满足》等；油画写实派名家[color=red]杨飞云[/color]的《裸女》，徐晓燕的《怒放》，郭润文的《人物》，戴都都的《武士》、《木牛流马》等。[/size]
[size=4]值得一提的是，此次仲夏拍卖也不乏一些重要艺术家的作品，如[color=red]周春芽[/color]的《朋友系列》，[color=red]张晓刚[/color]的《无题》等。[/size]
尹朝阳 西山暮色 布面油画
2001年作 80×100cm 尹朝阳，1970年生于河南省南阳市，1992年考入中央美术学院版画系，1996年至今作为职业画家，居北京。《西山暮色》创作于2001年，此一时期正是尹朝阳创作“神话”的高潮，然而这幅纯粹而让人轻松的风景之作，却和“神话”系列中莫名的奇异、恐惧、悲伤形成了截然的反差，不由得让我们思考艺术家根底的创作心绪，意识，无意识……。象中国大多数艺术家一样，尹朝阳是在接受学院教育下成长起来的一位年轻艺术家。写实主义成为他最基本的创作方法。尹朝阳的绘画开启了70年代出生的一代人青春感伤的抒情主题，并真正开始塑造这一代人的自我形象和情感特征。他的绘画在中国90年代末期的写实主义绘画中具有重要的位置。当我们面对尹朝阳的作品时，切身地感受到激情、理想与力量，他以锐利的笔锋将年轻人的热情、激昂，用特定的样式与场景表现出来。尹朝阳回忆这一时期的创作心态：“沉积于胸的过多的沧桑与感慨时时溢出！即使有未老先衰的恐惧，我也已经开始接受由于时间的逼迫而不得不接受的成熟，那或许是一种被迫的坦然”。
何森 躺在沙发上的女人 布面油画
[align=center]1999年作 188×109cm [/align] 何森，1968年生于云南。1989年毕业于四川美术学院。
《躺在沙发上的女人》，作于1999年。20世纪90年代末以后，何森开始了他最为重要的“女孩系列”创作，他笔下的时尚女孩大都困在地点不明的昏暗室内，迷醉于都市夜生活的奇遇之中，画面流露着某种神秘感，何森并不讳言这是摄影带给他的启示。通过这件作品，我们可以清晰地看到这一期创作的特点。何森利用一种虚幻的照片效果，揭示一个人群的狡杂状态，任何意欲通过简单手段来阐释她们的行为都是虚妄的。她们不在黑暗里，也不在光明里。何森用寓言式的“青春残酷物语”，抒写了一个时代的迷惘与虚无。何森作品中那种忧伤阴郁、似梦愁云般惨淡的红灰色调，与我们眼前的生活拉开了距离。这个距离恰好是何森冥想的空间。何森自言其作品表现的是“对成长的恐惧和对现实的逃避”。
章剑 天安门系列 布面油画
2005年作 200×150cm章剑，1968年生于北京。1993年毕业于中央美术学院壁画系，现为专职画家。
《天安门系列》是章剑艺术创作成熟期的代表作，艺术家以自己独特的艺术语言和视角，描绘日常生活中的天安门、人民广场、长安街。画面中，灿烂的阳光透视着朦胧、空旷、深远的视觉感受。从2000年开始，章剑以天安门、后海为对象创作了一系列艺术作品。画家借助天安门这一再典型不过的公共视觉形象，来表达自己的艺术理想。他到底要表达什么，是一种单纯的记叙，还是要隐喻或暗示什么，这种疑惑及思考或许正是艺术家创作的母题，也是艺术创作真正的涵义所在。
二十世纪九十年代以来，章剑的作品不断受到公众艺术爱好者、投资者的青睐。无论艺术品市场的潮起潮落，从90年代初期几万元一幅作品到今日单幅作品几十万元拍卖成交，章剑真正成为了市场的宠儿。
周春芽 红石头系列 布面油画
2005年作 73×61 cm作品赏析：
《红石头系列》，创作于2005年。此幅作品以石头为表现对象，最引人注目和差异的是满布画面的红色。在周春芽的艺术人生中，曾经因为色彩没考好，在1977年考入四川美术学院时，被分到版画班。他的理想应该是进入油画班。后来在大学期间，1980年，他去藏族地区四川省红原县写生，在那里，在藏族人的肤色上，在他们的服装上，在天空里，在远山发现了色彩的魅力。在1987—1988年期间，到德国卡塞尔美术学院的学习经历，成了周春芽艺术创作中的转折点。回国后他的具有创新意义的系列创作不断产生，石头系列在1992年已经开始酝酿、出炉。后来，周春芽经常开着从北京买回的2020s北京吉普去四川山区体会石头的景色。1994年，创作“雅安上里”石头风景系列。1999—2000年，他三次赴苏州参观各个园林，开始画以“太湖石”为题材的作品，并认为“太湖石”的历史感和坚硬，浑厚,复杂,恐怖,血腥而优美为一体是最具有中国特色的物体。2000年，作品“太湖石系列”参加 “20 世纪中国油画展”（中国美术馆、上海美术馆）。至此，周春芽石头系列作品已渐具面貌。
然而，此幅《红石头系列》，最耀眼的红色，显然与此一时期画家另一系列作品——《桃花风景系列》存在着联系。那是在2005年三月，画家去龙泉山游玩喝茶吃土鸡，对遍山盛开的带有粉紫红色的桃花发生兴趣。这里的桃花具有野和艳的特点，由此他开始创作“桃花风景系列”。在艺术家周春芽眼中，“桃花色彩暧昧，外圈是白的，中间是红的，在中国传统文化中，桃花和情感，性爱联系得比较紧密，体现生命，走到桃花林里我就会心花怒放，朝气蓬勃的。因为它的红色，红得很舒服。我还画了很多热情的红人，因为人的性爱，情感和桃花是一样的，就是生气勃勃的。”《红石头系列》，也染上了桃花的红色与暧昧。
艺术批评家王林总结道：早在1990年代，周春芽就借助全新技巧重新诠释传统的中国山石。山石是中国绘画的传统题材，本是文人的精神折射和自由灵魂的依托。在周春芽的画里，山石表现出一种迥然相异的面貌，石头表面被一层奇怪的增生组织覆盖，暗示着一种模糊的人类的自然性。石头的颜色很特殊，用跟自然不相接近的颜色，其实是在寻找自然中最本质的东西。将自然以一种被教化的形式表现出来之后，它就失去了其危险的一面，而获得了一种高雅的特质。这会唤起一个文人的一种“完全”的感觉，在这中间，他担当起了一个相关的创造性角色。周春芽摆脱山水图式的限制而趋于抽象，红色调子改变了青山绿水式的总体印象，情绪表现得热烈而扩张，这种形式与激情的东方化，使对传统文化精神和绘画式的转换，其契机在于周春芽对现代文明的反省。
张晓刚 生生不息 布面油画
1986年作 13×12cm作品赏析：
《生生不息》，创作于1986年。20世纪80年代中期，中国当代艺术掀起了以“八五新潮”为标志的现代艺术运动。张晓刚和他昆明的朋友毛旭辉、叶永青等人组织的“新具象”艺术群体，是中国最早的群体之一，并在第一次（1985年）群体展览上，展出了他的《充满色彩的幽灵》系列油画。而在之前的乡土写实主义绘画潮流中，张晓刚并没有创作出像罗中立《父亲》一样的惊人之作，因为他不喜欢以写实主义的手法去创作，而是更喜欢表现主义的意境。恰是这一对艺术的执著与真诚，使得他后来《大家庭》系列的创作得以成功。作品《生生不息》，即是此一时期富于表现性的艺术作品之一。
追忆张晓刚这段时期的生活状态，可以更加了解此副作品的内涵，“从1986年到1989年，我一直生活在一种白日梦的状态里，白天按照学校的要求上完课，晚上就回家画一些小孤独、小伤感、有点诗意的东西。生命的悲剧性和人心的孤独、惶恐对我来说就是现实。”由于饮酒过度，张晓刚于1984年在医院度过了两个月，梦魔般的体验，以及医院的环境——尤其病房的白床单给了他强烈的刺激，使他在住院期间就画了素描组画《黑白之间的幽灵——住院日记》。张晓刚在他当时的笔记中说：“病魔带给我们的最大好处就在于，当我们被遗弃在生与死交汇的白床上时，在这两个世界之间才明白了什么叫做梦……与此同时，我们的爱被分成两半，一半爱恋色彩缤纷的人生，一半则不由自主地向往死亡。因为我们是人，我们把死亡当作某种宗教。”
艺术家简介：
张晓刚，1958年出生于昆明，1982年毕业于四川美术学院油画系，现工作、生活于北京。
陈树中 野草滩的日子 布面油画
2000年作 100×80cm陈树中，1960年生于辽宁省新民县于家窝堡乡。1984年毕业于鲁迅美术学院，后一直从事美术教育工作并致力于中国北方农民生活题材的油画创作。现居重庆。
《野草滩的日子》，创作于2000年。《野草滩》系列创作始于1998年前后，陈树中在鲁迅美院攻读硕士学位期间，是他将艺术理论与实践相结合的典范，以及对民族及乡土文化思考的结晶。此一系列作品既富于现实主义的色彩，又以浪漫主义的绘画手法，表现出中国北方农村纯朴而抒情的生活气息。艺术家这样写道：我喜欢以大场景的构图展开我所熟悉和热爱的北方农村画卷，像儿时用树棍儿在大道、土墙上涂鸦一样，总感觉农村有我描绘不尽的东西。我一直坚信着这样一个信念：无论时代怎样变化，文化艺术如何潮起潮落，艺术原本的东西永远不会丧失，朴素的东西更有它的恒定性，而关注生活和生命是人类的永恒主题。当我感受和描绘北方故乡野草滩的山野和乡村之时，当我刻画淳朴善良的父老乡亲之时，我总是由衷地感叹：生命如歌，生活如歌！
阎平 坐在床上的裸女 布面油画
1993年作 81.5×66cm阎平简历:
1956年生于山东济南。1983年毕业于山东艺术学院油画专业，获学士学位并留校任教。1991年入中央美术学院油画研修班学习。现为中国美术家协会理事，中国油画学会理事，山东油画学会副主席，教授。
作品赏析：
《坐在床上的裸女》，创作于1993年。画中女子，像是画家笔下的模特，但从画法上可以看出画家已不是在单纯地画人像，而是在有意表现着什么。从阎平的创作经历可知，20世纪90年代初，她开始在中央美学院油画研修班进一步学习，这是她在1983年大学毕业从事教学与艺术创作七八年后，再一次到高等美术学府就学，而此次学习竟成了阎平艺术创作生涯的一个转折点。著名艺术评论家赵力认为：“从艺术观念到技法系统的整体转型构成了90年代阎平的创作主体。也就在这一时期，阎平开始构思并创作《母与子》系列，并将深入的文化思考与风格的革新创生有机结合，从而推动自我风貌的成功探索。”阎平也正是以她的《母与子》系列引起美术界的注意。《坐在床上的裸女》，即是画家在这一转折时期的作品。
任小林 举扇的女孩 布面油画
1993年作 90×90cm作品赏析：
《举扇的女孩》，创作于1993年。画面中间的女子，穿着贤淑，整齐的束发上带着靓丽的簪花，扁平的额头上描着柳叶眉，直挺的鼻梁，红的樱桃小嘴，粉白的脸上涂着胭脂，一绺鬓发更显出几分姿色，形似古代画中仕女形象。她纤巧的手举着团扇，迈着细步，画面左方另有一女子正在走来。画家笔下的朦胧画境自然生发出梦一样的心境。
对于任小林的艺术，著名艺术评论家栗宪庭这样写道：他的作品给人一种艺术性浓厚然而又未曾脱离生活的情调。这种内在蜕变的法则，形成任小林十余年来最有力的艺术特色。早期作品写实抒情并重，而抒情取得优势；最近，他的绘画更由点、光的骚动趋于平淡化、图像化，进而提升到仿似寓言的层次。中国的文人文化在世界文化之林总体上属于一种阴柔和带女性色彩的文化，其原因也许由于长期的生存环境造就了中国人的这种阴柔的人格所致。任小林秉承的是这样一种文化传统，或者说他的性格中更多地倾向阴柔、平和、慵懒，而非争强好斗，才使得他的作品有一种类似传统仕女画的意味。
著名艺术评论家易英认为，任小林的画是一个超现实的和象征的世界，这两者被他糅合在一起。超现实不仅指画面的效果，也指作画的过程，一种无意识的状态支配着画家的动作，画家如同漫游在梦境，画面则是无意识的物质显现。任小林的画就是像梦一样，似乎没有任何理性和规则，风景是云遮雾罩，人物像在梦呓中游走。
艺术家简介：
任小林，1963年生于北京。1986年毕业于四川美术学院油画系。1991年到中央美术学院壁画系进修。现任教于贵州师范大学艺术系。
王衍成 无题 布面油画
2004年作 88×115cm作品赏析：
《无题》，创作于2004年。对于王衍成抽象的视觉艺术，法国著名画廊Galerie Protée在推出王衍成的画展宣传册上写道：“王衍成是本画廊继赵无极、朱德群后推荐的第三位中国画家。他的绘画作品中有着神秘难言的一面,不管如何去欣赏,如何去沉思,如何试着去诠释。其中蕴涵的古老中国和东方文化如此分明，我几乎都可以嗅到她的味道，觉到她的颜色，其中难言的神秘是那么引人神往。”
法国权威艺术杂志《AZART》“当代抽象画家”专刊中，将王衍成视作赵无极和朱德群两位绘画大师“艺术精神的传承者”。文中写到：赵无极和朱德群是最先把有着几千年历史的中国与西方通过绘画联系起来的艺术大师，而王衍成正在以其耀眼炫目的大幅作品把这种艺术表现延伸到更远。
“抽象是主观意识受外界影响过滤的结果，也是带有主观能动性的非具象地思考。”王衍成这样阐释道。他认为，20世纪西方抽象艺术绘画大师曾经从东方意象性的艺术之中汲取营养，抽象绘画与中国绘画有共同的渊源，中国人向来就有灵性很强的抽象思维，挥开画笔，这种潜在血液中的灵性就溢发出来。
王衍成在描述他的绘画创作时说：“我是在一种非常自然的状态下，与画布进行直接地对话，以期逐渐地‘逼近’自我的真实存在。”他认为，当一个艺术家把自己的生命体验一气呵成地呈现在画布上的时候，他画下的每一个笔触，都蕴涵着当时当下的生命状态，他对艺术的认识、对社会的反映、生命的经历、存在的方式、东西文化的撞击、潜意识等等都会在这一刻反映在画布上。
画家简介：
王衍成，1960年出生于广东。1985年自山东艺术学院油画专业毕业后留校任教。1986—1988年在中央美术学院美术史论系高研班进修。1990—1992年在法国圣太田造型艺术大学学习。现定居法国巴黎。联合国世界造型艺术家协会会员、中国美术家协会会员。
罗中立 春眠 布面油画 55×40cm
作品赏析：《春眠》，属于罗中立新阶段的艺术创作，与《父亲》这幅具有里程碑意义的艺术作品既有着割不断的联系，又存在着很大的变化。
它们之间的联系，首先，都有着强烈的感染力。著名艺术批评家邵大箴这样写道：罗中立善於捕捉农村生活中那些看来极普通、极平凡的场景，描绘那些因长年累月进行繁重体力劳动变得有些畸形的人。他用朴实无华的笔不加美化和修饰地描绘他们，予人以自然，真实和亲切之感。这些画不以情节取胜，而以人生和环境的刻画以及统一的气氛见长。其次在于艺术创作的原型。中国美院院长许江说，25年来，罗中立坚持画农民，画他插队的大巴山，他要以大巴山圆塔型的砖窑为原型来建造他的房子，罗中立笔下的农民有一份真生活。
对于它们之间的变化，批评家王林写道：八十年代中期之后到最近，罗中立的画越来越偏离宏大的场面和庄重的气氛，趋向随意性、荒诞性，似乎从民间生活中得到的艺术灵感被珍贵地保留了下来，不做艺术地修饰，不做理想化地处理，我把这种描绘称作“赤裸地描绘生活的真实”。
罗中立的艺术创作终究离不开“巴山情结”。他的同学，艺术家何多苓最为熟知：其实，我认为这第二阶段才是真正的罗中立，因为同时他又是罗二，一位执着于巴山农村的牛粪味、木楼的灯油味的画家。但他决不仅止于此，他的绘画是中国当代艺术的一部分，不是古典主义或现实主义的，正如栗宪庭所说，是“乡谣式的”。这种乡谣也不同于西方式的田原牧歌。从这个意义上，罗中立可以说是在坚持乡土题材的画家中唯一超越了这个题材的。这就是如今仍然“走笔巴山”但在当代艺术中占据稳固地位的罗中立。
向庆华 镜中人 布面油画
2006年作 99×150cm向庆华，1976年10月生于重庆云阳，2001年毕业於四川美术学院油画系，现任教於川音成都美术学院。
《镜中人》，创作于2006年。画面中的孩童，穿着整齐的的确良上衣，头发略黄，但还干净整齐，耳朵上卡着一只带把的香烟，伸出胳膊手举着小圆镜子，怒着眼看着镜中人，就是他自己，好像是在肯定自己的神气和威风，紧闭的嘴似在对谁们表示着一种不服气。童年的生活，童年的幻想，童年的嬉戏，童年的恶作剧，童年的胆大妄为，童年的无羁无绊，童年的异想天开，童年性意识的本能与天真，童年的五光十色成为向庆华作品的表现内容，以此为支点，反观成为一个社会的人之后，被社会的道德、伦理、人与人之间的关系所缠绕的生存问题，生活状态。
向庆华解释自己的生活与艺术：“常年生活在一个毫无诗意、循规蹈矩的环境中，终于发现成人世界是如此的无趣和假正经。因为对现状的不满，我愿意在作品中描述一些关于童年的想象，带有一丝恶趣味的故事，并尽量让画面在静默中带有一丝不安和危险，构成超现实主义的梦境。现实也许从来都不尽人意，所以人总要发牢骚，总要回忆过去或展望未来，总要充满希望．所以我总要画画。”对于创作中的艺术语言，他说：“我希望用一种平和的方式将我所说的安静释放出来，当然这种表达的语言是尽量建立在一个公共语言平台上，希望让更多的人能够认识和读懂这种语言，因而我固守了很多传统绘画的基本准则。”
批评家王林写道：在一代年轻画家中，如向庆华这样敢于直面自我的艺术家并不多见，这种对于自我迷失的表达，本身就是对自我的追寻与追问。正如高更画题：我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？在向庆华的作品中，感受到的正是这样的冥思和询问。他的作品总是以明晰的几何形构成，在平面分割上冷峻而严整，形式感的理性色彩比较浓重。画面在整体上显得肃穆与静谧，充盈着一种沉思默想的氛围。
潘德海 乐乐 布面油画
2003年作 100×70cm作品赏析：
《乐乐》，创作于2003年。作品中的小人，圆睁着小眼，挺着小鼻子，噘着小嘴，乍着两只小耳朵，给人留下最深印象的是他那圆乎乎的脸和胖嘟嘟的身体，瓜瓢发型倒显得几分可爱。画家潘德海早在20世纪80年代就同张晓刚、毛旭辉、叶永青等西南艺术家群体，活跃于中国当代艺术前沿，而他在参与1989年的“中国现代艺术展”（中国美术馆）中的“苞米”系列作品，表现出在艺术创作上进入成熟期。
1999年以后，潘德海的绘画中出现了胖子这个主题，究其缘由，他说自已看见一个多年不见的朋友变得很臃肿而且头发稀少，觉得很伤感，于是开始记录胖子这个角色。除了这一偶然地、感性地心理触动，潘德海说：“胖，是我想要表达的主题。胖是当今社会普遍存在的现象，是现代化的成果之一,是城市综合症的最鲜明地体现，是今天个体生命随时面对地问题——胖，具有侵略性、占有性，是欲望横流最生动、最形象、最符号化的特征。”胖子系列的作品在画面中可以找到早期苞米的颗粒，并在之后产生了不断地变化。早期的胖子系列主要以灰调子为主，色彩微弱。到2004年以后，画面则增添了背景，有骑车的、有挤车的、有坐炕的、有喂马的、有赛跑的等等。胖子的脸色也在变化，红色、橙色、玫瑰色等等。潘德海说：“人们面对不同的环境时，脸色也是会有变化的。”胖子还是那个胖子，但他们处在不同环境就有了不同的寓意。
对于潘德海的艺术，艺术家叶永青说：“他的这些东西慢慢的，这跟他的心情和参与时代的进程以及今天社会的变化有关系，我觉得他的东西更冷竣、更冷却了, 而且更加有那种不同寻常的魅力，我觉得潘德海在中国当代美术界是独树一帜的。”
艺术家简介：
潘德海，1956年出生于吉林省四平市，1982年毕业于东北师范大学美术系。现工作、生活于昆明。
叶永青 梦游者 布面油画
1989年作 56×43cm作品赏析：
《梦游者》，创作于1989年。画面中，粉白的人形，突出的眼眶和眼珠，莫名的绳索，后面是窗口，残壁颓垣，铁栅栏，茅屋，线条，屋漏痕，瑰丽的色彩，恐怖而深邃的夜……。这一时期，画家叶永青频繁往来于重庆、昆明、北京之间，用他的话说，“我的生活常常被我象候鸟般迁徙于几个城市，弄得居无定所和四分五裂。”《梦游者》倒像是他这时生活的写照和创作状态。批评家栗宪庭说：叶永青一方面把各种观念性符号作了形象性和绘画性的处理，另一方面是画面多采用打破时空的散置构图，带点哲理性散文诗类的感觉。这和他生活处境有关——频繁来往于重庆、昆明和北京之间，当然更与他的性格、气质有关——既是忧郁的、诗的或才情的，又很喜欢思考，对艺术史、当代艺术国际潮流了解甚多……，他想把他身上不同的气质矛盾地溶于一体，很当代，很观念，但又保留着强烈的绘画性。
画家简历：
叶永青，1958年出生于昆明，1982年毕业于四川美术学院绘画系油画专业，后留校任教，现为四川美术学院教授。
忻海州 黑白少女像 布面油画
2006年作 80×110cm忻海州，1966年生于中国成都，1989年毕业于中国四川美术学院版画系。
作品赏析：
《黑白少女像》，创作于2006年。画面中女孩直愣愣地瞪着大眼，望着观者，望着看她的每个人，这是忻海州作品给人留下的最深印象。忻海洲也是大眼睛，这或许是一种巧合，或许是画家在暗示着什么，或许画中人就是画家的映射。忻海州到底要表达什么。对于作品中的青春少女，他这样描述道：
一天， 我看见一个姑娘当街而过，她的美丽难以述说。
迎面一阵轻风，一阵迷香，一阵芬芳。姑娘染了一头桔黄的睡发，描画着卡通式的眉眼，背着小巧的银色蝴蝶型的双肩包。一身闪亮的高腰迷你裙，修长的双腿踏着水晶一样的高跟鞋，纤手一招，上了TAXI。车门关上的刹那，绿色指甲落入我眼中。芬芳从发丝到指尖，修饰如此完美。
啊！姑娘漂亮！我不禁失声赞叹！
这时候，我心中突然涌起一股不可名状的悲伤。
那姑娘是一条金鱼！
在我生命中的姑娘，我觉得她们都象金鱼，她们在我生活周围游来游去，我从来没有把握过她们。这世界是一口大鱼缸，我们只是在这里偶然相遇，美好的事儿都象水花儿，啤酒泡沫式的亢奋地冒出来旋即随风而逝。于是我们浮生在生活遭遇的无数可能中，承担着生命不能承受之轻，在一个早到的后现代社会里陷入多样选择的迷茫。
也许只有通过艺术能使我们洞穿生活的表象，回到那纯真的童年和自然的怀抱。在那里重拾神明的光照与关怀，在那里参透生命的真意。
对于忻海州的艺术，著名艺术批评家栗宪庭有着这样的见解：四川新一代艺术家的崛起，以九十年代初的沈晓彤、忻海洲等人为代表，与上一代的何多苓、张晓刚、叶永青等人的作品相比，视点从肢解和拼接的超现实风格转向作者自身的现实场景，内涵从大文化转向对于艺术家自身现实的关注，或者更具一种自己冷眼看自己的感觉。另外，给人最突出印象的是忻海州作品中线条的表现力：如刀刻的线条，密密麻麻，细而深地刻在纸上，可以感受到作者心灵和手在颤动的感觉。这种技巧在忻海洲的作品中一直保留着，成为他作品语言的一个重要因素。正如忻海州自己所说“是一根暧昧而无形的芒刺”。
耿万义 冬天的草 布面油画
2004年作 130×100cm耿万义，1946年生于北京，早年毕业于北京艺术设计学院，现为职业画家，中国西藏油画研究会会员。他从事艺术创作四十余年，先后二十余次赴西藏写生，深入藏区生活，了解藏族文化，搜集了大量创作素材。2002年起，他倾注全部精力，创作出大型系列油画专辑《藏人百图》。他采用豪放、厚重的手法，刻画了一个个逼真的藏族妇女、孩童和康巴汉子，合成了藏民艺术群像，作品透着藏族特有的酥油茶和牦牛粪饼般的质朴气息，展现了藏民族人民博大的胸襟和深厚的情感。一些美术评论家赞誉他是中国艺术第三次“西藏热”的代表画家之一。至今他完成的西藏题材作品已经多达一百多幅。
《冬天的草》，创作于2004年，是画家耿万义自2002年起创作西藏题材油画中的一幅。对于中国绘画的架上艺术而言，西藏题材的美术创作似乎永远是一笔重彩。从前辈艺术家吴作人、叶浅予、董希文等先生的早期创作，到新时期的陈逸飞、艾轩、陈丹青等的艺术探索，在此一方面中国油画已经诞生出许多优秀的艺术作品，成为中国油画历史上的颗颗珍珠。耿万义说：“我至今总共去了西藏22次，短则半个月，长则近一年，我和那里的山山水水有着一种割不断的情缘！”他这辈子只干了一件事，那就是美术创作，而研究西藏题材并进行美术创作占去了他生命中的大部分时间和精力。
马常利 绿荫 布面油画
1982年作 50×60cm常利，1931年生于河北省秦皇岛市。1953年毕业于中央美术学院绘画系，毕业后留校任教；1961年作为研究生在中央美术学院油画研究班继续深造，1963年毕业之后在该院油画系任教，
作品赏析：
《绿荫》，创作于1982年。无论是创作题材，还是绘画技法，此件作品都属于画家马常利擅长和成熟期的代表作。作品描绘室外的风景，阳光明媚，绿树成荫，鲜花遍野，一个穿红裙的青春少女成为画面远处的亮点，正与大自然相媲美。优雅的色彩，奔放写意的笔法，富于抒情的意境，正是画家饱含特色的艺术凤格。在从事艺术教育的同时，画家马常利创作了大量的油画作品，尤以风俗画和风景画见长。著名油画家闻立鹏赞叹道：老马的画，像一首首抒情曲，充满了诗情画意和优美恬静的意境，流露着画家对生活的乐观、信念、热恋、衷情。他的画不但具有意境，而且带有一种从当代现实生活中提炼出的新意。老马的画具有鲜明的个性，流畅的线条，活泼跃动的点，优雅响亮的色彩，传达着一种积极向上的生命情调。
郭润文 人物 布面油画 36×36cm
郭润文，1955年生于浙江。1982年毕业于上海戏剧学院舞台美术系，获学士学位。1988年结业于中央美术学院油画系助教班。现任广州美术学院油画系教授、系副主任，广东美术家协会副主席。作品赏析：
《人物》，是郭润文的一幅肖像作品，与他其余的肖像作品相比，共同的特点是：对人物神态的刻画和油画语言的熟练驾驭，而后者是画家多年不懈追求的理想，并成为其艺术创作中受更多人称赞之处。对此，画家有着自己的见解：我只想强调一下，油画无论怎样发展，都应保持它自身独特的物质感和艺术魅力，否则油画就会失去那妙不可言的高贵感和不同于其它画种的独特东西。从这个角度出发，我从不讳言我注意古典油画传统与油画语言的“纯正性”。 对他来说，完善一种技术是一个优秀画家所必须具备的条件。诚如李可染先生用一生的时间和实践来证明的那样，必须先做画匠，然后才能去做一个画家。在油画语言不断追求的同时，郭润文更关注当代艺术的发展，并有着深刻地研究。他认为当代艺术强调的是文化针对性，强调的是意义，强调的是提出有价值的文化问题。作品《永远的记忆》、《梦归故里》、《生存问题》等，无疑是他艺术观念的全面体现。
沙耆 恋 布面油画
1992年作 53×58cm沙耆艺术经历：
沙耆，被称为传奇式的中国画家，1914年生于浙江省鄞县。沙耆早年在上海昌明艺专、上海美专、杭州艺专和中央大学艺术系习画九载，1937年由徐悲鸿推荐，赴比利时皇家美术学院深造。在新写实派画家巴思天院长的指导下，沙耆对传统的欧洲绘画进行了系统地研究，以出色的成绩获得了“优秀美术金质奖”，并与毕加索及其他著名的现代派画家共同举办展览，一度成为当地颇具影响的画家。
1946年回国后，徐悲鸿即聘他为北平艺专教授，但由于疾病缠身，未能上任。嗣后，他长期蛰居故乡。精神上的疾病，虽然给沙耆的日常生活蒙上了深深的阴影，但并没有减弱他对艺术的炽热之情，在那里，他隐没三十余载，却创造了艺术与人生的奇迹。
1983年，浙江省博物馆、浙江美术学院（现为中国美术学院）和中国美术家协会浙江分会先后在杭州、上海、北京等地举办了"沙耆画展"，展出了沙耆早年旅欧时的五十多幅油画，整个画坛为之震动。展览结束后，沙耆又回到了乡村，潜心作画。八十年代中期，他的画用笔率真、色彩纯朴，到了九十年代，他的画风幡然一变，创造出了一幅幅气势恢宏的作品。
1998年，中国油画学会、中国美术学院和台湾卡门艺术中心联合在上海和北京召开了"沙耆油画艺术研讨会"，较集中地展示了沙耆几个艺术创作时期的代表作，又一次引起了中国美术界的震惊。与会的学者认为，沙耆不仅是一位不该被社会遗忘的艺术家，而且是中国现代油画史上一颗灿烂的彗星，为油画艺坛增添了一道耀眼的光芒。
2001年，由中国油画学会主办，中国美术馆、上海美术馆、浙江省博物馆、台北历史博物馆等单位协办的“沙耆七十年作品回顾展”，分别在中国美术馆、上海美术馆和台北历史博物馆巡回展出。
沙耆艺术品评：
《恋》，创作于1992年，此时沙耆的画风已然陡变，集印象派、野兽派、表现主义和抽象主义之大成，自出机杼，创造出了一幅幅气势恢宏的作品。
对于沙耆的艺术，众多当代著名艺术史家、艺术批评家及艺术家给予了深度地评鉴。
中央美术学院教授、著名艺术批评家邵大箴认为：虔诚赋予沙耆的画以某种古典精神，而随意使他的画接近印象派、后印象派以至表现主义的画风。他作画没有任何功利目的，不为名，不图利，仅仅是为了表达内心的感情。这种对艺术真诚的态度，决定了他的作品自然、真切的品格。他画的都是极平常、极普通的农村景色，但在他的作品面前，我们不会无动于衷，而会被它引到画面的深处，引入他创造的境界之中。因为这些对我们来说既亲切又陌生的画面，绝不是客观物象的摹写和再现，而是渗透着他对大自然的一片真情。
原中央美术学院院长、著名艺术家靳尚谊认为：对沙耆这样老一辈油画家进行研究，能从现代美术史的角度看到我们已经引进的形式，他们创作的状况，取得的成就，以及对今后可能产生的影响对于发展我们现代油画非常有意义。
著名美术史家范景中这样写道：苍天有情，这位饱受心灵创伤、几乎被人遗忘的画家，竟然在他的晚年奇迹般地出现在中国画坛上。沙耆那坚实的造型、沉郁的色彩，唤起了年迈古稀的老画家对传统的美好追忆，也让那些处于极度的创新亢奋状态之中的年轻一代艺术家膛目结舌，大家为中国现代美术史上曾经有过这样一位功底深厚的画家而感到惊奇。确实，在二十世纪画坛上，象沙耆这样能如此纯熟地运用古典主义手法的画家，真是寥若晨星。二十世纪九十年代，沙耆的画风幡然一变，他集印象派、野兽派、表现主义和抽象主义之大成，自出机杼，创造出了一幅幅气势恢弘的伟大作品。
徐雅惠 风 雕塑（青铜）
2003年作 83×59×18cm徐雅惠，1972年生于上海。1989年就读于四川美术学院附属中等美术学校。1994年就读于四川美术学院雕塑系。1999年攻读四川美术学院环境雕塑专业硕士研究生。2002年任教于四川美术学院雕塑系。2003年至今任教于青岛大学美术学院。
作品赏析：
《风》，创作于2003年，参加2006年“北京奥运公共艺术•环境设施暨城市雕塑方案展”，并获得佳作奖。当女性的权力在20世纪不断地被世界正视，女性艺术也逐渐成为艺术舞台中的重要扮演者。如果非要把艺术分为男性艺术与女性艺术，那么女性艺术突出的特点应是以女性的眼光和思维创造的艺术。这也是女性艺术伟大和有价值的地方。徐雅惠，作为一个年轻的女性艺术家，对女性从身体到心理有着独特地关注与表现。无论是《风》，还是《女孩系列》，她都在作品中塑造了女孩美丽的着装、束发等女性生活中最主要的一部分，并透露着时代的气息。艺术家徐雅惠在女孩形体的不同塑造中，总能表达出微妙的女性心理，这是她的艺术创作令人触动的地方和魅力所在。
张新文 邻居——老朱一家 布面油画 180×180cm
张新文，1973年生于山东烟台。2000年毕业于山东艺术学院，并留校任教于油画系。后在中央美术学院14届油画研修班进修。《邻居——老朱一家》，是张新文参加第十届全国美展之作，并获得山东省一等奖。作品用写实的画法，描绘了邻居老朱三口之家生活中的一角。老朱脸上的笑容，憨厚，诚恳，朴实，发自内心的笑。妻子脸上的笑，稍带腼腆，她站在老朱身后，有种夫笑妇随的自觉，却的的确确洋溢着幸福的喜悦。儿子的笑，开朗，活泼，天真无邪，是人人都向往的童年生活的状态。他们笑的身后，是一驾农用三轮车，里面装载着货物，也许这是他们一家幸福的源泉，老朱和妻子凭着它才能谋到幸福。画面的最后是几间平房。这就完整的构成了老朱幸福的家。这典型的一幕，实实在在地呈现出21世纪中国社会新农村的发展面貌，农民生存、生活的现实状态。老朱一家，似在盯着照相镜头，或在看着画家的眼睛，在这一瞬间，他们毫无保留地表达着自己。画家张新文，从学院教育中一路走来，都在用着最为直接的写实画法，以现实主义的手法，直白地描绘着中国社会发展中的变化。
戴都都 武士 布面油画
1993年作 170×110 cm戴都都，1963年生，辽宁省沈阳市人。1985年毕业于鲁迅美术学院。
《武士》，创作于1993年，是戴都都艺术创作开始进入盛期时的创作。画家以独特的构思，用强烈的青铜质感塑造历史的形象，使得时代的印记更加鲜明。青铜既反映着历史的光辉，也闪现出当代的色彩。此作刊登在《美术大观》1997年第5期和《中国当代美术家精品集——戴都都》（辽宁美术出版社 1996年），并获得建国50年辽宁美术创作成就展金奖。2005年，戴都都与画家李铁子合作，为沈阳世园会百花馆创作的400平方米的大型壁画《浪漫时代》，成为世园会的亮点。后来，他与画家李铁子、张安军创作巨幅油画《与但丁讨论神曲》，画中囊括了古今中外各种历史人物100位，以独特的手法向人们展示了人类历史的沧桑。这是他在看了但丁的《神曲》之后，被但丁那种浪漫的意境激发灵感后的触动。戴都都正是用艺术的手法去讴歌历史、讴歌人类文明，让更多的人去了解历史，感受历史，关注历史。
姜国芳 紫禁城角楼 布面油画
129×129cm姜国芳，1951年生于江西省，1968年应征入伍，1970年转业，1974年考入中央美术学院油画专业，1975年赴山西芮城永乐宫、甘肃敦煌考察，1976年赴山西文水、临汾、河曲及黄河沿岸写生，1978年毕业留中央美院油画系任教，同时步入艺术创作生涯。
《紫禁城》系列，从1987年开始酝酿。1991年，《紫禁城》系列——《奏折》问世。1994年，举办首次个展，并出版《姜国芳•紫禁城》画册。同年，该画册荣获香港市政局与香港促进贸易发展局颁发全年最佳艺术画刊。1996年，接受北京中央电视台采访，制作人物专题片《姜国芳•紫禁城》。1998年，在香港举办第二次个展《姜国芳•紫禁城之二》。1999年，《寂静的紫禁城》于香港佳士得拍卖会成功拍卖。2004年，于故宫博物院主办《姜国芳紫禁城系列展》。同年，油画《角楼月色》被故宫博物院收藏。
对于姜国芳《紫禁城》系列的解析，或许可从一个西方人的眼中窥见一斑。2005年，姜国芳受意大利罗马省政府的邀请,在著名的威尼斯宫举办个人画展——“姜国芳•紫禁城系列作品展”，成为在这座著名艺术宫殿举办艺术展的第一位中国艺术家。罗马地区一位博物馆管理者Claudio Strinati写道：对中国历史文化的深厚认识是其创作的源泉，这一点集中体现在姜国芳的多个绘画系列中，尤其是古装肖像和中国皇宫生活场景的历史画作，如这次展览的“紫禁城系列”。姜国芳并不是要再现历史原貌，而是希望将历史的演变和冲突通过自己的体验和感受展示出来。因此，历史和感情的交融使其作品具有了惊人的现实主义色彩。大画布成为了真正的“历史舞台”，上演着独特的中国皇家故事，特别是年青的皇帝和美貌绝伦的佳丽们。作为首位获许在故宫举办个人画展的当代画家，姜国芳带着他的作品走进了这座高墙耸立的皇宫，带领人们穿梭于真实与虚幻的紫禁城中。
石虎 无题之二 布面油画
2003年作 120×120cm石虎，1942年生于河北省徐水县；1958年，入北京工艺美术学校；1960年，入浙江美术学院；1962年，入伍当兵；1968年，任教于北京工艺美术学校；1969年，从事牙雕等工艺创作；1977年，任职人民美术出版社；1978年，出访非洲13个国家，回国后不久出版非洲写生画集，受到关注。20世纪80年代，石虎成为中国画坛创新代表人物之一，多次成功举办各种画展。20世纪90年代开始，石虎在海外画坛取得巨大成功，成为国际上最有影响力的中国画家之一，其作品在国际市场屡创高价。其代表作《玄腾图》（350×899cm）以独特的重彩表现了中国人救亡图存的近代史，画面辉煌无比，1995年被海外华人以800万港元收藏。1996年，石虎在抽象派大师、法兰西学院终身艺术院士朱德群先生及海内外众多美术名家支持下，就任世界华人艺术家协会主席。2004年，人民美术出版社评选20世纪20名中国画家，齐白石、徐悲鸿、刘海粟、李可染等大师入选，石虎也位列其中。
《无题之二》，作品显而易见地借鉴了立体派的画法。然而，作品全然透着中国画之气韵。这是艺术家有意识地创造，也存在不自觉的因素。中西结合之路，从近代中国科技，至政治，至文化，是几代人不辍追求地目标。近代自然科学不如西方，毋庸置疑。社会政治，西方有其先进的一面值得中国借鉴。而对待中国传统文化，仅在一百余年的时间里，即经过了反反复复的推翻与继承，终究在自觉不自觉中走过了中西相互碰撞、融合之路。只是不知文化是否也存在达尔文进化论的生存规律。石虎的经历，或许可以再进一步解读《无题之二》这幅作品。他出生在中国北方的农村，民间传统艺术氛围触发了他最原始的视觉感知，纸红灯笼，剪纸窗花，吊挂画，彩色面人，各种各样的民间玩具，无时无刻不在发生着影响。在后来的艺术生涯中，他从事过工艺美术、雕塑等创作。1978年非洲之行，更进一步产生了他与毕加索立体绘画的机缘。石虎感慨，“毕加索几乎全部作品都是按中国画的程式和步骤画出来的，波洛克更不用说，德库宁简直就是中国式的大写意。”是中是西？或许该问，何为艺术之本然。
熊宇 和平鸽美女 布面油画
2005年作 193×145cm熊宇，1975年生于四川省成都市，1995年毕业于四川美术学院附中，1999年毕业于四川美术学院油画系，2002年获四川美术学院油画系硕士学位并任教于四川大学艺术学院。
熊宇是继罗中立、何多苓、张晓刚等人之后中国油画 “四川画派” 的新秀。《和平鸽美女》，与熊宇同时期的其他作品有着共同的特征，光感、透明、虚幻、迷离、清纯、细腻……，充满诗意的静谧。如果说艺术除却纯粹视觉的感受，还有其他人文内涵的话，那就与艺术家生存的社会、环境，所经历的人生密切相关。熊宇生于二十世纪七十年代中期，文革即将结束，中国社会在危机与生机中酝酿着生存和斗争，一场新的变革在年轻的新中国即将产生。然而，这一切变化仅仅像艺术家生活和成长中广袤无垠的背景。这个背景成为一个时代的烙印，也成为这个时代生存者无法摆脱的烙印。这个烙印会不时地反映在时代的艺术中。从这个意义上说，熊宇的画具有着同时代人的气质和品格：善良，单纯，对人生的理想和完美的追求。
徐晓燕 怒放 • 绿色之九 布面油画
2001年作 150×150 cm徐晓燕，1960年生，河北省承德人。1982年毕业于河北师大美术系油画专业。现为职业画家，居北京。
《怒放 • 绿色之九》，正像这幅作品的名字所表露的，艳丽的色彩，粗犷的线条，洋溢的热情，有人说“白菜也疯狂”。艺术家坦然，创作源于往日田间的散步。她回忆当时的情景：那时我们在农民的果园中租了一处很大的房子做工作室，喜欢那里的环境，安静，充满了田野气息。我经常走出工作室，看田里劳作的人影和四季变化的庄稼、蔬菜和果树，行走于田间几乎成了我的习惯。然而，当艺术家把生活的经验和热情，用画笔创作出来时，却已经完完全全地把我们吸引了，作品渲染着艺术的魅力。正如艺术家所感：我开始感动了，随它盛开，体会那种生长的感觉，我承认从那一刻起有了一种体会，作品是有生命的，那幅作品似乎告诉我那带着泥土的花朵，近乎完美，近乎娇艳。
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章剑 天安门系列 布面油画
2005年作 200×150cm章剑，1968年生于北京。1993年毕业于中央美术学院壁画系，现为专职画家。
《天安门系列》是章剑艺术创作成熟期的代表作，艺术家以自己独特的艺术语言和视角，描绘日常生活中的天安门、人民广场、长安街。画面中，灿烂的阳光透视着朦胧、空旷、深远的视觉感受。从2000年开始，章剑以天安门、后海为对象创作了一系列艺术作品。画家借助天安门这一再典型不过的公共视觉形象，来表达自己的艺术理想。他到底要表达什么，是一种单纯的记叙，还是要隐喻或暗示什么，这种疑惑及思考或许正是艺术家创作的母题，也是艺术创作真正的涵义所在。
二十世纪九十年代以来，章剑的作品不断受到公众艺术爱好者、投资者的青睐。无论艺术品市场的潮起潮落，从90年代初期几万元一幅作品到今日单幅作品几十万元拍卖成交，章剑真正成为了市场的宠儿。 :79: :lol :@ 谢谢楼上两位有缘人的支持:hd:
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