北京保利  中国油画部分，集结艺术精品近200件，在注重市场走势兼顾学术水准的理念支持下，此次仲夏拍卖在组织拍品期间深入挖掘市场，广开征集渠道，使拍品结构更加立体、丰富化。其中包含：
当代艺术先锋何森的《躺在沙发上的女人》，
尹朝阳的《西山暮色》，
章剑的《天安门系列》，
沈娜的《恶梦》等；
“70后”颇具成长潜质的学院新叙事风格的艺术家作品，如罗清的《铁路》、《苏州河》，张新文《邻居——老朱一家人》、《满足》等；油画写实派名家杨飞云的《裸女》，徐晓燕的《怒放》，郭润文的《人物》，戴都都的《武士》、《木牛流马》等。
值得一提的是，此次仲夏拍卖也不乏一些重要艺术家的作品，如周春芽的《朋友系列》，张晓刚的《无题》等。

2001年作 80×100cm 尹朝阳，1970年生于河南省南阳市，1992年考入中央美术学院版画系，1996年至今作为职业画家，居北京。
   《西山暮色》创作于2001年，此一时期正是尹朝阳创作“神话”的高潮，然而这幅纯粹而让人轻松的风景之作，却和“神话”系列中莫名的奇异、恐惧、悲伤形成了截然的反差，不由得让我们思考艺术家根底的创作心绪，意识，无意识……。象中国大多数艺术家一样，尹朝阳是在接受学院教育下成长起来的一位年轻艺术家。写实主义成为他最基本的创作方法。尹朝阳的绘画开启了70年代出生的一代人青春感伤的抒情主题，并真正开始塑造这一代人的自我形象和情感特征。他的绘画在中国90年代末期的写实主义绘画中具有重要的位置。当我们面对尹朝阳的作品时，切身地感受到激情、理想与力量，他以锐利的笔锋将年轻人的热情、激昂，用特定的样式与场景表现出来。尹朝阳回忆这一时期的创作心态：“沉积于胸的过多的沧桑与感慨时时溢出！即使有未老先衰的恐惧，我也已经开始接受由于时间的逼迫而不得不接受的成熟，那或许是一种被迫的坦然”。

1999年作 188×109cm

    何森，1968年生于云南。1989年毕业于四川美术学院。  
《躺在沙发上的女人》，作于1999年。20世纪90年代末以后，何森开始了他最为重要的“女孩系列”创作，他笔下的时尚女孩大都困在地点不明的昏暗室内，迷醉于都市夜生活的奇遇之中，画面流露着某种神秘感，何森并不讳言这是摄影带给他的启示。通过这件作品，我们可以清晰地看到这一期创作的特点。何森利用一种虚幻的照片效果，揭示一个人群的狡杂状态，任何意欲通过简单手段来阐释她们的行为都是虚妄的。她们不在黑暗里，也不在光明里。何森用寓言式的“青春残酷物语”，抒写了一个时代的迷惘与虚无。何森作品中那种忧伤阴郁、似梦愁云般惨淡的红灰色调，与我们眼前的生活拉开了距离。这个距离恰好是何森冥想的空间。何森自言其作品表现的是“对成长的恐惧和对现实的逃避”。

2005年作 200×150cm
章剑，1968年生于北京。1993年毕业于中央美术学院壁画系，现为专职画家。
   《天安门系列》是章剑艺术创作成熟期的代表作，艺术家以自己独特的艺术语言和视角，描绘日常生活中的天安门、人民广场、长安街。画面中，灿烂的阳光透视着朦胧、空旷、深远的视觉感受。从2000年开始，章剑以天安门、后海为对象创作了一系列艺术作品。画家借助天安门这一再典型不过的公共视觉形象，来表达自己的艺术理想。他到底要表达什么，是一种单纯的记叙，还是要隐喻或暗示什么，这种疑惑及思考或许正是艺术家创作的母题，也是艺术创作真正的涵义所在。
    二十世纪九十年代以来，章剑的作品不断受到公众艺术爱好者、投资者的青睐。无论艺术品市场的潮起潮落，从90年代初期几万元一幅作品到今日单幅作品几十万元拍卖成交，章剑真正成为了市场的宠儿。

2005年作 73×61 cm
作品赏析：
   《红石头系列》，创作于2005年。此幅作品以石头为表现对象，最引人注目和差异的是满布画面的红色。在周春芽的艺术人生中，曾经因为色彩没考好，在1977年考入四川美术学院时，被分到版画班。他的理想应该是进入油画班。后来在大学期间，1980年，他去藏族地区四川省红原县写生，在那里，在藏族人的肤色上，在他们的服装上，在天空里，在远山发现了色彩的魅力。在1987—1988年期间，到德国卡塞尔美术学院的学习经历，成了周春芽艺术创作中的转折点。回国后他的具有创新意义的系列创作不断产生，石头系列在1992年已经开始酝酿、出炉。后来，周春芽经常开着从北京买回的2020s北京吉普去四川山区体会石头的景色。1994年，创作“雅安上里”石头风景系列。1999—2000年，他三次赴苏州参观各个园林，开始画以“太湖石”为题材的作品，并认为“太湖石”的历史感和坚硬，浑厚,复杂,恐怖,血腥而优美为一体是最具有中国特色的物体。2000年，作品“太湖石系列”参加 “20 世纪中国油画展”（中国美术馆、上海美术馆）。至此，周春芽石头系列作品已渐具面貌。
    然而，此幅《红石头系列》，最耀眼的红色，显然与此一时期画家另一系列作品——《桃花风景系列》存在着联系。那是在2005年三月，画家去龙泉山游玩喝茶吃土鸡，对遍山盛开的带有粉紫红色的桃花发生兴趣。这里的桃花具有野和艳的特点，由此他开始创作“桃花风景系列”。在艺术家周春芽眼中，“桃花色彩暧昧，外圈是白的，中间是红的，在中国传统文化中，桃花和情感，性爱联系得比较紧密，体现生命，走到桃花林里我就会心花怒放，朝气蓬勃的。因为它的红色，红得很舒服。我还画了很多热情的红人，因为人的性爱，情感和桃花是一样的，就是生气勃勃的。”《红石头系列》，也染上了桃花的红色与暧昧。
    艺术批评家王林总结道：早在1990年代，周春芽就借助全新技巧重新诠释传统的中国山石。山石是中国绘画的传统题材，本是文人的精神折射和自由灵魂的依托。在周春芽的画里，山石表现出一种迥然相异的面貌，石头表面被一层奇怪的增生组织覆盖，暗示着一种模糊的人类的自然性。石头的颜色很特殊，用跟自然不相接近的颜色，其实是在寻找自然中最本质的东西。将自然以一种被教化的形式表现出来之后，它就失去了其危险的一面，而获得了一种高雅的特质。这会唤起一个文人的一种“完全”的感觉，在这中间，他担当起了一个相关的创造性角色。周春芽摆脱山水图式的限制而趋于抽象，红色调子改变了青山绿水式的总体印象，情绪表现得热烈而扩张，这种形式与激情的东方化，使对传统文化精神和绘画式的转换，其契机在于周春芽对现代文明的反省。

1986年作 13×12cm
作品赏析：
   《生生不息》，创作于1986年。20世纪80年代中期，中国当代艺术掀起了以“八五新潮”为标志的现代艺术运动。张晓刚和他昆明的朋友毛旭辉、叶永青等人组织的“新具象”艺术群体，是中国最早的群体之一，并在第一次（1985年）群体展览上，展出了他的《充满色彩的幽灵》系列油画。而在之前的乡土写实主义绘画潮流中，张晓刚并没有创作出像罗中立《父亲》一样的惊人之作，因为他不喜欢以写实主义的手法去创作，而是更喜欢表现主义的意境。恰是这一对艺术的执著与真诚，使得他后来《大家庭》系列的创作得以成功。作品《生生不息》，即是此一时期富于表现性的艺术作品之一。
    追忆张晓刚这段时期的生活状态，可以更加了解此副作品的内涵，“从1986年到1989年，我一直生活在一种白日梦的状态里，白天按照学校的要求上完课，晚上就回家画一些小孤独、小伤感、有点诗意的东西。生命的悲剧性和人心的孤独、惶恐对我来说就是现实。”由于饮酒过度，张晓刚于1984年在医院度过了两个月，梦魔般的体验，以及医院的环境——尤其病房的白床单给了他强烈的刺激，使他在住院期间就画了素描组画《黑白之间的幽灵——住院日记》。张晓刚在他当时的笔记中说：“病魔带给我们的最大好处就在于，当我们被遗弃在生与死交汇的白床上时，在这两个世界之间才明白了什么叫做梦……与此同时，我们的爱被分成两半，一半爱恋色彩缤纷的人生，一半则不由自主地向往死亡。因为我们是人，我们把死亡当作某种宗教。”

艺术家简介：
张晓刚，1958年出生于昆明，1982年毕业于四川美术学院油画系，现工作、生活于北京。

2000年作 100×80cm
陈树中，1960年生于辽宁省新民县于家窝堡乡。1984年毕业于鲁迅美术学院，后一直从事美术教育工作并致力于中国北方农民生活题材的油画创作。现居重庆。
   《野草滩的日子》，创作于2000年。《野草滩》系列创作始于1998年前后，陈树中在鲁迅美院攻读硕士学位期间，是他将艺术理论与实践相结合的典范，以及对民族及乡土文化思考的结晶。此一系列作品既富于现实主义的色彩，又以浪漫主义的绘画手法，表现出中国北方农村纯朴而抒情的生活气息。艺术家这样写道：我喜欢以大场景的构图展开我所熟悉和热爱的北方农村画卷，像儿时用树棍儿在大道、土墙上涂鸦一样，总感觉农村有我描绘不尽的东西。我一直坚信着这样一个信念：无论时代怎样变化，文化艺术如何潮起潮落，艺术原本的东西永远不会丧失，朴素的东西更有它的恒定性，而关注生活和生命是人类的永恒主题。当我感受和描绘北方故乡野草滩的山野和乡村之时，当我刻画淳朴善良的父老乡亲之时，我总是由衷地感叹：生命如歌，生活如歌！

1993年作 81.5×66cm
阎平简历:
1956年生于山东济南。1983年毕业于山东艺术学院油画专业，获学士学位并留校任教。1991年入中央美术学院油画研修班学习。现为中国美术家协会理事，中国油画学会理事，山东油画学会副主席，教授。


作品赏析：
《坐在床上的裸女》，创作于1993年。画中女子，像是画家笔下的模特，但从画法上可以看出画家已不是在单纯地画人像，而是在有意表现着什么。从阎平的创作经历可知，20世纪90年代初，她开始在中央美学院油画研修班进一步学习，这是她在1983年大学毕业从事教学与艺术创作七八年后，再一次到高等美术学府就学，而此次学习竟成了阎平艺术创作生涯的一个转折点。著名艺术评论家赵力认为：“从艺术观念到技法系统的整体转型构成了90年代阎平的创作主体。也就在这一时期，阎平开始构思并创作《母与子》系列，并将深入的文化思考与风格的革新创生有机结合，从而推动自我风貌的成功探索。”阎平也正是以她的《母与子》系列引起美术界的注意。《坐在床上的裸女》，即是画家在这一转折时期的作品。

1993年作 90×90cm
作品赏析：
   《举扇的女孩》，创作于1993年。画面中间的女子，穿着贤淑，整齐的束发上带着靓丽的簪花，扁平的额头上描着柳叶眉，直挺的鼻梁，红的樱桃小嘴，粉白的脸上涂着胭脂，一绺鬓发更显出几分姿色，形似古代画中仕女形象。她纤巧的手举着团扇，迈着细步，画面左方另有一女子正在走来。画家笔下的朦胧画境自然生发出梦一样的心境。
    对于任小林的艺术，著名艺术评论家栗宪庭这样写道：他的作品给人一种艺术性浓厚然而又未曾脱离生活的情调。这种内在蜕变的法则，形成任小林十余年来最有力的艺术特色。早期作品写实抒情并重，而抒情取得优势；最近，他的绘画更由点、光的骚动趋于平淡化、图像化，进而提升到仿似寓言的层次。中国的文人文化在世界文化之林总体上属于一种阴柔和带女性色彩的文化，其原因也许由于长期的生存环境造就了中国人的这种阴柔的人格所致。任小林秉承的是这样一种文化传统，或者说他的性格中更多地倾向阴柔、平和、慵懒，而非争强好斗，才使得他的作品有一种类似传统仕女画的意味。
    著名艺术评论家易英认为，任小林的画是一个超现实的和象征的世界，这两者被他糅合在一起。超现实不仅指画面的效果，也指作画的过程，一种无意识的状态支配着画家的动作，画家如同漫游在梦境，画面则是无意识的物质显现。任小林的画就是像梦一样，似乎没有任何理性和规则，风景是云遮雾罩，人物像在梦呓中游走。

艺术家简介：
任小林，1963年生于北京。1986年毕业于四川美术学院油画系。1991年到中央美术学院壁画系进修。现任教于贵州师范大学艺术系。

2004年作 88×115cm
作品赏析：
   《无题》，创作于2004年。对于王衍成抽象的视觉艺术，法国著名画廊Galerie Protée在推出王衍成的画展宣传册上写道：“王衍成是本画廊继赵无极、朱德群后推荐的第三位中国画家。他的绘画作品中有着神秘难言的一面,不管如何去欣赏,如何去沉思,如何试着去诠释。其中蕴涵的古老中国和东方文化如此分明，我几乎都可以嗅到她的味道，觉到她的颜色，其中难言的神秘是那么引人神往。”
    法国权威艺术杂志《AZART》“当代抽象画家”专刊中，将王衍成视作赵无极和朱德群两位绘画大师“艺术精神的传承者”。文中写到：赵无极和朱德群是最先把有着几千年历史的中国与西方通过绘画联系起来的艺术大师，而王衍成正在以其耀眼炫目的大幅作品把这种艺术表现延伸到更远。
   “抽象是主观意识受外界影响过滤的结果，也是带有主观能动性的非具象地思考。”王衍成这样阐释道。他认为，20世纪西方抽象艺术绘画大师曾经从东方意象性的艺术之中汲取营养，抽象绘画与中国绘画有共同的渊源，中国人向来就有灵性很强的抽象思维，挥开画笔，这种潜在血液中的灵性就溢发出来。
    王衍成在描述他的绘画创作时说：“我是在一种非常自然的状态下，与画布进行直接地对话，以期逐渐地‘逼近’自我的真实存在。”他认为，当一个艺术家把自己的生命体验一气呵成地呈现在画布上的时候，他画下的每一个笔触，都蕴涵着当时当下的生命状态，他对艺术的认识、对社会的反映、生命的经历、存在的方式、东西文化的撞击、潜意识等等都会在这一刻反映在画布上。

画家简介：
    王衍成，1960年出生于广东。1985年自山东艺术学院油画专业毕业后留校任教。1986—1988年在中央美术学院美术史论系高研班进修。1990—1992年在法国圣太田造型艺术大学学习。现定居法国巴黎。联合国世界造型艺术家协会会员、中国美术家协会会员。

作品赏析：
   《春眠》，属于罗中立新阶段的艺术创作，与《父亲》这幅具有里程碑意义的艺术作品既有着割不断的联系，又存在着很大的变化。
    它们之间的联系，首先，都有着强烈的感染力。著名艺术批评家邵大箴这样写道：罗中立善於捕捉农村生活中那些看来极普通、极平凡的场景，描绘那些因长年累月进行繁重体力劳动变得有些畸形的人。他用朴实无华的笔不加美化和修饰地描绘他们，予人以自然，真实和亲切之感。这些画不以情节取胜，而以人生和环境的刻画以及统一的气氛见长。其次在于艺术创作的原型。中国美院院长许江说，25年来，罗中立坚持画农民，画他插队的大巴山，他要以大巴山圆塔型的砖窑为原型来建造他的房子，罗中立笔下的农民有一份真生活。
    对于它们之间的变化，批评家王林写道：八十年代中期之后到最近，罗中立的画越来越偏离宏大的场面和庄重的气氛，趋向随意性、荒诞性，似乎从民间生活中得到的艺术灵感被珍贵地保留了下来，不做艺术地修饰，不做理想化地处理，我把这种描绘称作“赤裸地描绘生活的真实”。
    罗中立的艺术创作终究离不开“巴山情结”。他的同学，艺术家何多苓最为熟知：其实，我认为这第二阶段才是真正的罗中立，因为同时他又是罗二，一位执着于巴山农村的牛粪味、木楼的灯油味的画家。但他决不仅止于此，他的绘画是中国当代艺术的一部分，不是古典主义或现实主义的，正如栗宪庭所说，是“乡谣式的”。这种乡谣也不同于西方式的田原牧歌。从这个意义上，罗中立可以说是在坚持乡土题材的画家中唯一超越了这个题材的。这就是如今仍然“走笔巴山”但在当代艺术中占据稳固地位的罗中立。

2006年作 99×150cm
向庆华，1976年10月生于重庆云阳，2001年毕业於四川美术学院油画系，现任教於川音成都美术学院。
   《镜中人》，创作于2006年。画面中的孩童，穿着整齐的的确良上衣，头发略黄，但还干净整齐，耳朵上卡着一只带把的香烟，伸出胳膊手举着小圆镜子，怒着眼看着镜中人，就是他自己，好像是在肯定自己的神气和威风，紧闭的嘴似在对谁们表示着一种不服气。童年的生活，童年的幻想，童年的嬉戏，童年的恶作剧，童年的胆大妄为，童年的无羁无绊，童年的异想天开，童年性意识的本能与天真，童年的五光十色成为向庆华作品的表现内容，以此为支点，反观成为一个社会的人之后，被社会的道德、伦理、人与人之间的关系所缠绕的生存问题，生活状态。
    向庆华解释自己的生活与艺术：“常年生活在一个毫无诗意、循规蹈矩的环境中，终于发现成人世界是如此的无趣和假正经。因为对现状的不满，我愿意在作品中描述一些关于童年的想象，带有一丝恶趣味的故事，并尽量让画面在静默中带有一丝不安和危险，构成超现实主义的梦境。现实也许从来都不尽人意，所以人总要发牢骚，总要回忆过去或展望未来，总要充满希望．所以我总要画画。”对于创作中的艺术语言，他说：“我希望用一种平和的方式将我所说的安静释放出来，当然这种表达的语言是尽量建立在一个公共语言平台上，希望让更多的人能够认识和读懂这种语言，因而我固守了很多传统绘画的基本准则。”
    批评家王林写道：在一代年轻画家中，如向庆华这样敢于直面自我的艺术家并不多见，这种对于自我迷失的表达，本身就是对自我的追寻与追问。正如高更画题：我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？在向庆华的作品中，感受到的正是这样的冥思和询问。他的作品总是以明晰的几何形构成，在平面分割上冷峻而严整，形式感的理性色彩比较浓重。画面在整体上显得肃穆与静谧，充盈着一种沉思默想的氛围。

2003年作 100×70cm
作品赏析：
   《乐乐》，创作于2003年。作品中的小人，圆睁着小眼，挺着小鼻子，噘着小嘴，乍着两只小耳朵，给人留下最深印象的是他那圆乎乎的脸和胖嘟嘟的身体，瓜瓢发型倒显得几分可爱。画家潘德海早在20世纪80年代就同张晓刚、毛旭辉、叶永青等西南艺术家群体，活跃于中国当代艺术前沿，而他在参与1989年的“中国现代艺术展”（中国美术馆）中的“苞米”系列作品，表现出在艺术创作上进入成熟期。
    1999年以后，潘德海的绘画中出现了胖子这个主题，究其缘由，他说自已看见一个多年不见的朋友变得很臃肿而且头发稀少，觉得很伤感，于是开始记录胖子这个角色。除了这一偶然地、感性地心理触动，潘德海说：“胖，是我想要表达的主题。胖是当今社会普遍存在的现象，是现代化的成果之一,是城市综合症的最鲜明地体现，是今天个体生命随时面对地问题——胖，具有侵略性、占有性，是欲望横流最生动、最形象、最符号化的特征。”胖子系列的作品在画面中可以找到早期苞米的颗粒，并在之后产生了不断地变化。早期的胖子系列主要以灰调子为主，色彩微弱。到2004年以后，画面则增添了背景，有骑车的、有挤车的、有坐炕的、有喂马的、有赛跑的等等。胖子的脸色也在变化，红色、橙色、玫瑰色等等。潘德海说：“人们面对不同的环境时，脸色也是会有变化的。”胖子还是那个胖子，但他们处在不同环境就有了不同的寓意。
    对于潘德海的艺术，艺术家叶永青说：“他的这些东西慢慢的，这跟他的心情和参与时代的进程以及今天社会的变化有关系，我觉得他的东西更冷竣、更冷却了, 而且更加有那种不同寻常的魅力，我觉得潘德海在中国当代美术界是独树一帜的。”

艺术家简介：
潘德海，1956年出生于吉林省四平市，1982年毕业于东北师范大学美术系。现工作、生活于昆明。

1989年作 56×43cm
作品赏析：
《梦游者》，创作于1989年。画面中，粉白的人形，突出的眼眶和眼珠，莫名的绳索，后面是窗口，残壁颓垣，铁栅栏，茅屋，线条，屋漏痕，瑰丽的色彩，恐怖而深邃的夜……。这一时期，画家叶永青频繁往来于重庆、昆明、北京之间，用他的话说，“我的生活常常被我象候鸟般迁徙于几个城市，弄得居无定所和四分五裂。”《梦游者》倒像是他这时生活的写照和创作状态。批评家栗宪庭说：叶永青一方面把各种观念性符号作了形象性和绘画性的处理，另一方面是画面多采用打破时空的散置构图，带点哲理性散文诗类的感觉。这和他生活处境有关——频繁来往于重庆、昆明和北京之间，当然更与他的性格、气质有关——既是忧郁的、诗的或才情的，又很喜欢思考，对艺术史、当代艺术国际潮流了解甚多……，他想把他身上不同的气质矛盾地溶于一体，很当代，很观念，但又保留着强烈的绘画性。

画家简历：
叶永青，1958年出生于昆明，1982年毕业于四川美术学院绘画系油画专业，后留校任教，现为四川美术学院教授。

2006年作 80×110cm
忻海州，1966年生于中国成都，1989年毕业于中国四川美术学院版画系。


作品赏析：
   《黑白少女像》，创作于2006年。画面中女孩直愣愣地瞪着大眼，望着观者，望着看她的每个人，这是忻海州作品给人留下的最深印象。忻海洲也是大眼睛，这或许是一种巧合，或许是画家在暗示着什么，或许画中人就是画家的映射。忻海州到底要表达什么。对于作品中的青春少女，他这样描述道：
　  一天， 我看见一个姑娘当街而过，她的美丽难以述说。
    迎面一阵轻风，一阵迷香，一阵芬芳。姑娘染了一头桔黄的睡发，描画着卡通式的眉眼，背着小巧的银色蝴蝶型的双肩包。一身闪亮的高腰迷你裙，修长的双腿踏着水晶一样的高跟鞋，纤手一招，上了TAXI。车门关上的刹那，绿色指甲落入我眼中。芬芳从发丝到指尖，修饰如此完美。
    啊！姑娘漂亮！我不禁失声赞叹！
    这时候，我心中突然涌起一股不可名状的悲伤。
    那姑娘是一条金鱼！
    在我生命中的姑娘，我觉得她们都象金鱼，她们在我生活周围游来游去，我从来没有把握过她们。这世界是一口大鱼缸，我们只是在这里偶然相遇，美好的事儿都象水花儿，啤酒泡沫式的亢奋地冒出来旋即随风而逝。于是我们浮生在生活遭遇的无数可能中，承担着生命不能承受之轻，在一个早到的后现代社会里陷入多样选择的迷茫。
    也许只有通过艺术能使我们洞穿生活的表象，回到那纯真的童年和自然的怀抱。在那里重拾神明的光照与关怀，在那里参透生命的真意。
    对于忻海州的艺术，著名艺术批评家栗宪庭有着这样的见解：四川新一代艺术家的崛起，以九十年代初的沈晓彤、忻海洲等人为代表，与上一代的何多苓、张晓刚、叶永青等人的作品相比，视点从肢解和拼接的超现实风格转向作者自身的现实场景，内涵从大文化转向对于艺术家自身现实的关注，或者更具一种自己冷眼看自己的感觉。另外，给人最突出印象的是忻海州作品中线条的表现力：如刀刻的线条，密密麻麻，细而深地刻在纸上，可以感受到作者心灵和手在颤动的感觉。这种技巧在忻海洲的作品中一直保留着，成为他作品语言的一个重要因素。正如忻海州自己所说“是一根暧昧而无形的芒刺”。