2004年作 130×100cm  
耿万义，1946年生于北京，早年毕业于北京艺术设计学院，现为职业画家，中国西藏油画研究会会员。他从事艺术创作四十余年，先后二十余次赴西藏写生，深入藏区生活，了解藏族文化，搜集了大量创作素材。2002年起，他倾注全部精力，创作出大型系列油画专辑《藏人百图》。他采用豪放、厚重的手法，刻画了一个个逼真的藏族妇女、孩童和康巴汉子，合成了藏民艺术群像，作品透着藏族特有的酥油茶和牦牛粪饼般的质朴气息，展现了藏民族人民博大的胸襟和深厚的情感。一些美术评论家赞誉他是中国艺术第三次“西藏热”的代表画家之一。至今他完成的西藏题材作品已经多达一百多幅。
   《冬天的草》，创作于2004年，是画家耿万义自2002年起创作西藏题材油画中的一幅。对于中国绘画的架上艺术而言，西藏题材的美术创作似乎永远是一笔重彩。从前辈艺术家吴作人、叶浅予、董希文等先生的早期创作，到新时期的陈逸飞、艾轩、陈丹青等的艺术探索，在此一方面中国油画已经诞生出许多优秀的艺术作品，成为中国油画历史上的颗颗珍珠。耿万义说：“我至今总共去了西藏22次，短则半个月，长则近一年，我和那里的山山水水有着一种割不断的情缘！”他这辈子只干了一件事，那就是美术创作，而研究西藏题材并进行美术创作占去了他生命中的大部分时间和精力。

1982年作 50×60cm
常利，1931年生于河北省秦皇岛市。1953年毕业于中央美术学院绘画系，毕业后留校任教；1961年作为研究生在中央美术学院油画研究班继续深造，1963年毕业之后在该院油画系任教，
作品赏析：
《绿荫》，创作于1982年。无论是创作题材，还是绘画技法，此件作品都属于画家马常利擅长和成熟期的代表作。作品描绘室外的风景，阳光明媚，绿树成荫，鲜花遍野，一个穿红裙的青春少女成为画面远处的亮点，正与大自然相媲美。优雅的色彩，奔放写意的笔法，富于抒情的意境，正是画家饱含特色的艺术凤格。在从事艺术教育的同时，画家马常利创作了大量的油画作品，尤以风俗画和风景画见长。著名油画家闻立鹏赞叹道：老马的画，像一首首抒情曲，充满了诗情画意和优美恬静的意境，流露着画家对生活的乐观、信念、热恋、衷情。他的画不但具有意境，而且带有一种从当代现实生活中提炼出的新意。老马的画具有鲜明的个性，流畅的线条，活泼跃动的点，优雅响亮的色彩，传达着一种积极向上的生命情调。

郭润文，1955年生于浙江。1982年毕业于上海戏剧学院舞台美术系，获学士学位。1988年结业于中央美术学院油画系助教班。现任广州美术学院油画系教授、系副主任，广东美术家协会副主席。



作品赏析：
《人物》，是郭润文的一幅肖像作品，与他其余的肖像作品相比，共同的特点是：对人物神态的刻画和油画语言的熟练驾驭，而后者是画家多年不懈追求的理想，并成为其艺术创作中受更多人称赞之处。对此，画家有着自己的见解：我只想强调一下，油画无论怎样发展，都应保持它自身独特的物质感和艺术魅力，否则油画就会失去那妙不可言的高贵感和不同于其它画种的独特东西。从这个角度出发，我从不讳言我注意古典油画传统与油画语言的“纯正性”。 对他来说，完善一种技术是一个优秀画家所必须具备的条件。诚如李可染先生用一生的时间和实践来证明的那样，必须先做画匠，然后才能去做一个画家。在油画语言不断追求的同时，郭润文更关注当代艺术的发展，并有着深刻地研究。他认为当代艺术强调的是文化针对性，强调的是意义，强调的是提出有价值的文化问题。作品《永远的记忆》、《梦归故里》、《生存问题》等，无疑是他艺术观念的全面体现。

1992年作 53×58cm
沙耆艺术经历：
    沙耆，被称为传奇式的中国画家，1914年生于浙江省鄞县。沙耆早年在上海昌明艺专、上海美专、杭州艺专和中央大学艺术系习画九载，1937年由徐悲鸿推荐，赴比利时皇家美术学院深造。在新写实派画家巴思天院长的指导下，沙耆对传统的欧洲绘画进行了系统地研究，以出色的成绩获得了“优秀美术金质奖”，并与毕加索及其他著名的现代派画家共同举办展览，一度成为当地颇具影响的画家。
    1946年回国后，徐悲鸿即聘他为北平艺专教授，但由于疾病缠身，未能上任。嗣后，他长期蛰居故乡。精神上的疾病，虽然给沙耆的日常生活蒙上了深深的阴影，但并没有减弱他对艺术的炽热之情，在那里，他隐没三十余载，却创造了艺术与人生的奇迹。
    1983年，浙江省博物馆、浙江美术学院（现为中国美术学院）和中国美术家协会浙江分会先后在杭州、上海、北京等地举办了"沙耆画展"，展出了沙耆早年旅欧时的五十多幅油画，整个画坛为之震动。展览结束后，沙耆又回到了乡村，潜心作画。八十年代中期，他的画用笔率真、色彩纯朴，到了九十年代，他的画风幡然一变，创造出了一幅幅气势恢宏的作品。
    1998年，中国油画学会、中国美术学院和台湾卡门艺术中心联合在上海和北京召开了"沙耆油画艺术研讨会"，较集中地展示了沙耆几个艺术创作时期的代表作，又一次引起了中国美术界的震惊。与会的学者认为，沙耆不仅是一位不该被社会遗忘的艺术家，而且是中国现代油画史上一颗灿烂的彗星，为油画艺坛增添了一道耀眼的光芒。
    2001年，由中国油画学会主办，中国美术馆、上海美术馆、浙江省博物馆、台北历史博物馆等单位协办的“沙耆七十年作品回顾展”，分别在中国美术馆、上海美术馆和台北历史博物馆巡回展出。

沙耆艺术品评：
   《恋》，创作于1992年，此时沙耆的画风已然陡变，集印象派、野兽派、表现主义和抽象主义之大成，自出机杼，创造出了一幅幅气势恢宏的作品。
    对于沙耆的艺术，众多当代著名艺术史家、艺术批评家及艺术家给予了深度地评鉴。
    中央美术学院教授、著名艺术批评家邵大箴认为：虔诚赋予沙耆的画以某种古典精神，而随意使他的画接近印象派、后印象派以至表现主义的画风。他作画没有任何功利目的，不为名，不图利，仅仅是为了表达内心的感情。这种对艺术真诚的态度，决定了他的作品自然、真切的品格。他画的都是极平常、极普通的农村景色，但在他的作品面前，我们不会无动于衷，而会被它引到画面的深处，引入他创造的境界之中。因为这些对我们来说既亲切又陌生的画面，绝不是客观物象的摹写和再现，而是渗透着他对大自然的一片真情。
    原中央美术学院院长、著名艺术家靳尚谊认为：对沙耆这样老一辈油画家进行研究，能从现代美术史的角度看到我们已经引进的形式，他们创作的状况，取得的成就，以及对今后可能产生的影响对于发展我们现代油画非常有意义。
    著名美术史家范景中这样写道：苍天有情，这位饱受心灵创伤、几乎被人遗忘的画家，竟然在他的晚年奇迹般地出现在中国画坛上。沙耆那坚实的造型、沉郁的色彩，唤起了年迈古稀的老画家对传统的美好追忆，也让那些处于极度的创新亢奋状态之中的年轻一代艺术家膛目结舌，大家为中国现代美术史上曾经有过这样一位功底深厚的画家而感到惊奇。确实，在二十世纪画坛上，象沙耆这样能如此纯熟地运用古典主义手法的画家，真是寥若晨星。二十世纪九十年代，沙耆的画风幡然一变，他集印象派、野兽派、表现主义和抽象主义之大成，自出机杼，创造出了一幅幅气势恢弘的伟大作品。

2003年作 83×59×18cm
徐雅惠，1972年生于上海。1989年就读于四川美术学院附属中等美术学校。1994年就读于四川美术学院雕塑系。1999年攻读四川美术学院环境雕塑专业硕士研究生。2002年任教于四川美术学院雕塑系。2003年至今任教于青岛大学美术学院。


作品赏析：
《风》，创作于2003年，参加2006年“北京奥运公共艺术•环境设施暨城市雕塑方案展”，并获得佳作奖。当女性的权力在20世纪不断地被世界正视，女性艺术也逐渐成为艺术舞台中的重要扮演者。如果非要把艺术分为男性艺术与女性艺术，那么女性艺术突出的特点应是以女性的眼光和思维创造的艺术。这也是女性艺术伟大和有价值的地方。徐雅惠，作为一个年轻的女性艺术家，对女性从身体到心理有着独特地关注与表现。无论是《风》，还是《女孩系列》，她都在作品中塑造了女孩美丽的着装、束发等女性生活中最主要的一部分，并透露着时代的气息。艺术家徐雅惠在女孩形体的不同塑造中，总能表达出微妙的女性心理，这是她的艺术创作令人触动的地方和魅力所在。

张新文，1973年生于山东烟台。2000年毕业于山东艺术学院，并留校任教于油画系。后在中央美术学院14届油画研修班进修。
   《邻居——老朱一家》，是张新文参加第十届全国美展之作，并获得山东省一等奖。作品用写实的画法，描绘了邻居老朱三口之家生活中的一角。老朱脸上的笑容，憨厚，诚恳，朴实，发自内心的笑。妻子脸上的笑，稍带腼腆，她站在老朱身后，有种夫笑妇随的自觉，却的的确确洋溢着幸福的喜悦。儿子的笑，开朗，活泼，天真无邪，是人人都向往的童年生活的状态。他们笑的身后，是一驾农用三轮车，里面装载着货物，也许这是他们一家幸福的源泉，老朱和妻子凭着它才能谋到幸福。画面的最后是几间平房。这就完整的构成了老朱幸福的家。这典型的一幕，实实在在地呈现出21世纪中国社会新农村的发展面貌，农民生存、生活的现实状态。老朱一家，似在盯着照相镜头，或在看着画家的眼睛，在这一瞬间，他们毫无保留地表达着自己。画家张新文，从学院教育中一路走来，都在用着最为直接的写实画法，以现实主义的手法，直白地描绘着中国社会发展中的变化。

1993年作 170×110 cm
  戴都都，1963年生，辽宁省沈阳市人。1985年毕业于鲁迅美术学院。
   《武士》，创作于1993年，是戴都都艺术创作开始进入盛期时的创作。画家以独特的构思，用强烈的青铜质感塑造历史的形象，使得时代的印记更加鲜明。青铜既反映着历史的光辉，也闪现出当代的色彩。此作刊登在《美术大观》1997年第5期和《中国当代美术家精品集——戴都都》（辽宁美术出版社 1996年），并获得建国50年辽宁美术创作成就展金奖。2005年，戴都都与画家李铁子合作，为沈阳世园会百花馆创作的400平方米的大型壁画《浪漫时代》，成为世园会的亮点。后来，他与画家李铁子、张安军创作巨幅油画《与但丁讨论神曲》，画中囊括了古今中外各种历史人物100位，以独特的手法向人们展示了人类历史的沧桑。这是他在看了但丁的《神曲》之后，被但丁那种浪漫的意境激发灵感后的触动。戴都都正是用艺术的手法去讴歌历史、讴歌人类文明，让更多的人去了解历史，感受历史，关注历史。

129×129cm
    姜国芳，1951年生于江西省，1968年应征入伍，1970年转业，1974年考入中央美术学院油画专业，1975年赴山西芮城永乐宫、甘肃敦煌考察，1976年赴山西文水、临汾、河曲及黄河沿岸写生，1978年毕业留中央美院油画系任教，同时步入艺术创作生涯。
   《紫禁城》系列，从1987年开始酝酿。1991年，《紫禁城》系列——《奏折》问世。1994年，举办首次个展，并出版《姜国芳•紫禁城》画册。同年，该画册荣获香港市政局与香港促进贸易发展局颁发全年最佳艺术画刊。1996年，接受北京中央电视台采访，制作人物专题片《姜国芳•紫禁城》。1998年，在香港举办第二次个展《姜国芳•紫禁城之二》。1999年，《寂静的紫禁城》于香港佳士得拍卖会成功拍卖。2004年，于故宫博物院主办《姜国芳紫禁城系列展》。同年，油画《角楼月色》被故宫博物院收藏。
    对于姜国芳《紫禁城》系列的解析，或许可从一个西方人的眼中窥见一斑。2005年，姜国芳受意大利罗马省政府的邀请,在著名的威尼斯宫举办个人画展——“姜国芳•紫禁城系列作品展”，成为在这座著名艺术宫殿举办艺术展的第一位中国艺术家。罗马地区一位博物馆管理者Claudio Strinati写道：对中国历史文化的深厚认识是其创作的源泉，这一点集中体现在姜国芳的多个绘画系列中，尤其是古装肖像和中国皇宫生活场景的历史画作，如这次展览的“紫禁城系列”。姜国芳并不是要再现历史原貌，而是希望将历史的演变和冲突通过自己的体验和感受展示出来。因此，历史和感情的交融使其作品具有了惊人的现实主义色彩。大画布成为了真正的“历史舞台”，上演着独特的中国皇家故事，特别是年青的皇帝和美貌绝伦的佳丽们。作为首位获许在故宫举办个人画展的当代画家，姜国芳带着他的作品走进了这座高墙耸立的皇宫，带领人们穿梭于真实与虚幻的紫禁城中。

2003年作 120×120cm
  石虎，1942年生于河北省徐水县；1958年，入北京工艺美术学校；1960年，入浙江美术学院；1962年，入伍当兵；1968年，任教于北京工艺美术学校；1969年，从事牙雕等工艺创作；1977年，任职人民美术出版社；1978年，出访非洲13个国家，回国后不久出版非洲写生画集，受到关注。20世纪80年代，石虎成为中国画坛创新代表人物之一，多次成功举办各种画展。20世纪90年代开始，石虎在海外画坛取得巨大成功，成为国际上最有影响力的中国画家之一，其作品在国际市场屡创高价。其代表作《玄腾图》（350×899cm）以独特的重彩表现了中国人救亡图存的近代史，画面辉煌无比，1995年被海外华人以800万港元收藏。1996年，石虎在抽象派大师、法兰西学院终身艺术院士朱德群先生及海内外众多美术名家支持下，就任世界华人艺术家协会主席。2004年，人民美术出版社评选20世纪20名中国画家，齐白石、徐悲鸿、刘海粟、李可染等大师入选，石虎也位列其中。
   《无题之二》，作品显而易见地借鉴了立体派的画法。然而，作品全然透着中国画之气韵。这是艺术家有意识地创造，也存在不自觉的因素。中西结合之路，从近代中国科技，至政治，至文化，是几代人不辍追求地目标。近代自然科学不如西方，毋庸置疑。社会政治，西方有其先进的一面值得中国借鉴。而对待中国传统文化，仅在一百余年的时间里，即经过了反反复复的推翻与继承，终究在自觉不自觉中走过了中西相互碰撞、融合之路。只是不知文化是否也存在达尔文进化论的生存规律。石虎的经历，或许可以再进一步解读《无题之二》这幅作品。他出生在中国北方的农村，民间传统艺术氛围触发了他最原始的视觉感知，纸红灯笼，剪纸窗花，吊挂画，彩色面人，各种各样的民间玩具，无时无刻不在发生着影响。在后来的艺术生涯中，他从事过工艺美术、雕塑等创作。1978年非洲之行，更进一步产生了他与毕加索立体绘画的机缘。石虎感慨，“毕加索几乎全部作品都是按中国画的程式和步骤画出来的，波洛克更不用说，德库宁简直就是中国式的大写意。”是中是西？或许该问，何为艺术之本然。

2005年作 193×145cm
   熊宇，1975年生于四川省成都市，1995年毕业于四川美术学院附中，1999年毕业于四川美术学院油画系，2002年获四川美术学院油画系硕士学位并任教于四川大学艺术学院。
    熊宇是继罗中立、何多苓、张晓刚等人之后中国油画 “四川画派” 的新秀。《和平鸽美女》，与熊宇同时期的其他作品有着共同的特征，光感、透明、虚幻、迷离、清纯、细腻……，充满诗意的静谧。如果说艺术除却纯粹视觉的感受，还有其他人文内涵的话，那就与艺术家生存的社会、环境，所经历的人生密切相关。熊宇生于二十世纪七十年代中期，文革即将结束，中国社会在危机与生机中酝酿着生存和斗争，一场新的变革在年轻的新中国即将产生。然而，这一切变化仅仅像艺术家生活和成长中广袤无垠的背景。这个背景成为一个时代的烙印，也成为这个时代生存者无法摆脱的烙印。这个烙印会不时地反映在时代的艺术中。从这个意义上说，熊宇的画具有着同时代人的气质和品格：善良，单纯，对人生的理想和完美的追求。

2001年作 150×150 cm
  徐晓燕，1960年生，河北省承德人。1982年毕业于河北师大美术系油画专业。现为职业画家，居北京。
   《怒放 • 绿色之九》，正像这幅作品的名字所表露的，艳丽的色彩，粗犷的线条，洋溢的热情，有人说“白菜也疯狂”。艺术家坦然，创作源于往日田间的散步。她回忆当时的情景：那时我们在农民的果园中租了一处很大的房子做工作室，喜欢那里的环境，安静，充满了田野气息。我经常走出工作室，看田里劳作的人影和四季变化的庄稼、蔬菜和果树，行走于田间几乎成了我的习惯。然而，当艺术家把生活的经验和热情，用画笔创作出来时，却已经完完全全地把我们吸引了，作品渲染着艺术的魅力。正如艺术家所感：我开始感动了，随它盛开，体会那种生长的感觉，我承认从那一刻起有了一种体会，作品是有生命的，那幅作品似乎告诉我那带着泥土的花朵，近乎完美，近乎娇艳。

2005年作 200×150cm
章剑，1968年生于北京。1993年毕业于中央美术学院壁画系，现为专职画家。
   《天安门系列》是章剑艺术创作成熟期的代表作，艺术家以自己独特的艺术语言和视角，描绘日常生活中的天安门、人民广场、长安街。画面中，灿烂的阳光透视着朦胧、空旷、深远的视觉感受。从2000年开始，章剑以天安门、后海为对象创作了一系列艺术作品。画家借助天安门这一再典型不过的公共视觉形象，来表达自己的艺术理想。他到底要表达什么，是一种单纯的记叙，还是要隐喻或暗示什么，这种疑惑及思考或许正是艺术家创作的母题，也是艺术创作真正的涵义所在。
    二十世纪九十年代以来，章剑的作品不断受到公众艺术爱好者、投资者的青睐。无论艺术品市场的潮起潮落，从90年代初期几万元一幅作品到今日单幅作品几十万元拍卖成交，章剑真正成为了市场的宠儿。

谢谢楼上两位有缘人的支持